[Giugurta]

Riflessione sul caravaggismo

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), nonostante fosse già il miglior artista presente in Italia tra 1593 e 1599, ebbe modo di mostrarsi agli occhi della massa, uscendo dal ristretto circolo di eruditi per cui lavorava, solo nel 1600, quando vennero scoperte le scene con la vocazione e il martirio di San Matteo nella Cappella Contarelli in San Luigi dei Francesi (Roma): le sue prime opere pubbliche.

Da quel momento in avanti tutti gli artisti romani, di passaggio per Roma, o forestieri attivi stabilmente nell’Urbe, avrebbero guardato al lombardo come un nume tutelare, una pietra miliare di confronto, un esempio, una conditio sine qua non.

Ma in cosa consiste la rivoluzione di Caravaggio?
Consiste nel portare alle estreme conseguenze la pittura della realtà lombardo-veneta. Già da secoli i pittori nord Italiani evitavano l’idealizzazione di matrice fiorentina, per mostrare la realtà quotidiana e antiretorica dei volti umani e degli oggetti comuni.

L’irruento Merisi aveva scelto, da genio assoluto qual era, di non arrendersi al manierismo tardo cinquecentesco, seguendo invece le radici più profonde dell’arte della sua terra di origine. Con la sua drasticità veristica Caravaggio era giunto spesso ad offendere l’occhio di committenti abituati a canoni idealizzati di bellezza.
Altra caratteristica di Caravaggio fondamentale era l’aspetto tenebroso dei suoi dipinti: tutti i suoi drammi si consumano di notte, la fonte di illuminazione non è mai visibile.

Tra quelli che guardano al Caravaggio non tutti riescono a capirlo: in molti si sentono in dovere di combinare l’idealizzazione manierista con i toni tenebrosi della sua pittura, altri spingono eccessivamente sulla crudezza delle scene.
Caravaggio non è un pittore violento: gli aguzzini dei suoi dipinti sono figli della banalità del male. Sono dei carpentieri che innalzano la croce di san Pietro senza volontà di torturarlo, ma semplicemente perché sono pagati per farlo. La sua Giuditta è una ragazza che prova ribrezzo nello sgozzare un pollo o nel maneggiare delle interiora. Oloferne un uomo a cui non tagliano la gola, ma a cui un granchio ha appena morso un dito. E così i suoi Davide e Golia, la sua Medusa: non ci sono torturati e torturatori, sono tutti, a loro modo, vittime di questo mondo e si arrendono ad esso.


Caravaggio


Caravaggio

Alcuni caravaggeschi questa cosa non la capiscono.
Quando oggi si parla di Caravaggismo il primo nome che salta fuori è quello di Artemisia Gentileschi (1593 – 1656), la più grande donna pittrice del secolo. Salta fuori sempre lei per la biografia complicata, salta fuori sempre per essere – oggi – icona di femminismo.
Ma Artemisia è manierata, è cruda, è violenta, è esagerata nel rifarsi al maestro lombardo. La tortura patita da Oloferne in Artemisia si fa stomachevole.
Ugualmente si fa Tarantiniana in Louis Finson.


Artemisia Gentileschi


Finson


Terbrugghen

Chi capisce Caravaggio allora? Beh sicuramente lo capisce Diego Velazquez, in Spagna, e lo capisce Antonio d’Enrico detto Tanzio da Varallo (1575 circa – 1633) in Italia.
Il Tanzio non ha bisogno di retorica, gli basta soltanto ritrarre in veste di santi e committenti le facce da far west che incrociava per la Val Sesia.


Tanzio da Varallo


Questo è il prologo al discorso, che farò in futuro, non so quando (il tempo è poco) sui miei 3 caravaggisti italiani preferiti: Tanzio Da Varallo, Orazio Borgianni (Roma, 1576 – 1616), Giovanni Serodine (Ascona, 1600 – Roma, 1630).